Diego Velázquez

Retrato múltiplo em tamanho natural, no qual a personagem central e protagonista é a infanta espanhola Margarita Teresa da Áustria (1651-1673), cercada por: suas aias denominadas "meninas", personalidades da nobreza e o próprio Velázquez.

É uma das obras mais estudadas da história, hoje em dia a principal fonte de informação vem dos escritos do tratadista e pintor Antonio Palomino (1655 - 1726), que analisou detalhadamente a simbologia, técnica, história e personagens da pintura.

Três anos depois pintaria um retrato unipessoal da infanta.

Baco, o deus grego do vinho, também conhecido como Dionísio, é o protagonista desta tela, encomendada pelo rei Felipe IV da Espanha. A ideia de realizar um trabalho de temática mitológica surge pela admiração que as obras de Caravaggio e outras pinturas italianas despertaram no artista. O quadro foi pintado em Madrid e pretende apresentar uma fusão entre as "deidades" gregas (os três personagens à esquerda) e o mundano (os 5 à direita).

A importância desta obra é que marca um antes e um depois na carreira do pintor, já que foi a primeira incursão séria de Velázquez no gênero mitológico, do qual jamais se afastaria até os seus últimos dias.

A habilidade para realizar o retrato múltiplo, ele resgatou dos seus anos em Sevilha como retratista experiente e pintor de gênero religioso, onde chegou a compor obras de alta complexidade.

O tratamento da luz sobre o protagonista e seus acompanhantes faz com que o personagem principal se destaque, proporcionando magníficos contrastes de luz e sombra aos demais. O naturalismo se combina com o realismo e o conceito mitológico. Esta mistura confere à obra um caráter extremamente original para a época.

Esta, junto com "Las meninas", é a obra mais complexa jamais realizada pelo artista, tanto que tem sido objeto de várias interpretações ao longo da história, desde simples visões que valorizam o estético, considerando a cena como parte de um ateliê de costura em um palácio, até interpretações complicadas que incluem mitologia e simbolismo oculto.

A composição se desenvolve em 2 planos de ação, o primeiro mostra o movimento de 5 fiandeiras trabalhando, vestidas ao estilo da época. No plano de fundo aparecem 5 personagens enigmáticos, interagindo entre si e observando um tapete de querubins.

A técnica, o movimento e a anatomia dos personagens têm sido amplamente elogiados por inúmeros artistas ao longo da história.

Interpretação pictórica da tradição cristã, a visita dos três reis magos do oriente ao Messias nascido em Belém da Judeia.

A composição possui um trabalho de sombras detalhado e um realismo notável. Mostra São José, a Virgem Maria, um pastor e os três magos adorando o menino e trazendo seus respectivos presentes.

Maria apresentada como uma jovem bela com auréola, olhando e segurando o menino em seu colo. São José aparece como um homem de rosto marcado, olhando o semblante de sua esposa, como se perguntasse: "O que esperar daqui para frente?"

O menino Jesus, com uma auréola em forma de cruz e traços adultos, envolto completamente em tecido, aludindo à mortalha que o envolveria no dia de sua morte.

Durante sua carreira, Velázquez realizou vários retratos de anões bufões, este sendo considerado o trabalho mais brilhante do tema. As características técnicas, cores, iluminação e a descrição anatômica beiram a perfeição.

Outro retrato famoso de anão é o menino de Vallecas.

Retrato com um trabalho notável de claro-escuro, apresentando o rosto de um apóstolo. Não se sabe exatamente qual personagem bíblico é, mas sabe-se que não é nem Santo Tomás nem São Paulo, pois presume-se que o quadro originalmente (antes de ser cortado) já incluía esses dois santos.

Os especialistas não asseguram 100% a autoria do quadro, no entanto, pelas características da pintura, pode-se atribuí-lo com pequena margem de erro ao estilo que o pintor desenvolveu entre 1619 e 1620.

Retrato de animal, embora sua autoria não esteja 100% comprovada, a maioria dos especialistas concorda que as pinceladas e a técnica usada coincidem com o estilo do pintor.

Considera-se uma das pinturas religiosas mais destacadas do artista. Sua procedência exata de lugar e data não está clara, mas pelo estilo infere-se que foi realizada entre 1635 e 1644.

Na parte superior, as três pessoas da Trindade Cristã - Pai, Filho e Espírito Santo - coroando a Virgem Maria, que permanece sentada sobre as nuvens, cercada por raios de sol e anjinhos voando ao redor.

Cena bíblica pertencente ao primeiro período artístico de Velázquez. Como é frequente na pintura barroca, a cena principal aparece em segundo plano, onde se vê Jesus conversando com as irmãs Marta e Maria. Os personagens que aparecem em primeiro plano - a idosa e a serva - não pertencem ao texto evangélico.

50 anos depois, J. Vermeer pintou sua própria versão do passagem bíblica.

Trata-se de uma das pinturas de Cristo crucificado mais nobres da história, reconhecida como obra-prima da anatomia masculina e fonte de inspiração para obras literárias e pictóricas.

A obra mostra o corpo nu de Jesus, presumivelmente já morto, pela inclinação da cabeça, a tensão dos braços e a palidez da pele. A postura é especialmente suave, o corpo está composto com as proporções mais belas da época, aprendidas com seu mestre Francisco Pacheco.

Trata-se de uma das obras mais elaboradas, e a primeira onde o pintor abordou o tema mitológico.

O quadro mostra o deus grego Apolo visitando a oficina de Vulcano, que mostra seu espanto diante das palavras de Apolo.

A composição e proporções anatômicas finamente alcançadas são próprias da escola italiana, aprendidas por Velázquez durante sua estadia em Roma.

Paisagem rural com "A Fonte dos Tritões", que ainda hoje existe, feita de mármore, localiza-se em um lado do Palácio Real de Madrid.

A tela mostra o monumento sob uma iluminação típica do campo, com árvores frondosas ao fundo e terreno seco no caminho. Os transeuntes parecem estar desfrutando de um dia de lazer. A composição é simples e está centralizada na fonte, considerada do gênero costumbrista.

Este é um dos retratos unipessoais mais conhecidos do artista, retratando a infanta Margarida Teresa, protagonista do quadro Las meninas, a quem pintou em várias ocasiões desde a sua infância até os 8 anos de idade.

Anão que trabalhou como bufão na corte do príncipe Baltasar Carlos, também sofria de problemas mentais, diagnosticados naquela época como oligofrenia.

Sentado em um ambiente campestre com costa, jaz o Menino de Vallecas, com um ar de despreocupação, quase desafiante, segurando o que parece ser um baralho de cartas, representativo de seu modo de vida. A expressão e os pontos de interesse (rosto e mãos) são iluminados com maestria sublime.

As deficiências que Velázquez costumava pintar geram uma polêmica moral até os dias atuais, muito se discutiu sobre se o artista buscava humanizar e dar dignidade, ou se este tipo de retrato tinha um desprezo implícito pelas pessoas com deficiência.

Outro retrato de bufão é o de Don Sebastián de Morra.

Retrato de menino com cavalo, o príncipe Baltasar Carlos (1629-1646), filho de Felipe IV. A pintura pretendia promover a autoridade do futuro rei, que já posava ao estilo de seu pai e seu avô. Daí o cetro na mão direita e a vestimenta militar, mesmo sendo uma criança.

A paisagem de fundo indica que o personagem se encontra em El Pardo (localidade de Madrid). A vista se direciona para as montanhas da serra do Hoyo de Manzanares.

Momento histórico militar, que apresenta a vitória do exército espanhol de Felipe IV sobre os terratenientes nos Países Baixos. O gesto amistoso dos personagens indica os termos em que se resolveu a disputa: uma rendição considerada honrosa por parte da Espanha.

Felipe IV (1605-1665) foi o monarca mais retratado por Velázquez, esta obra especificamente mostra o rei aos seus 52 anos e é uma das mais reconhecidas pela sua composição limpa, realismo e vivacidade.

Do mesmo autor, uma pintura quase idêntica encontra-se na National Gallery de Londres.

Composição pictórica que retrata três momentos da "Lenda Dourada", escrita pelo bispo italiano Jacopo de Varazze (1230-1298).

Santo Antônio veste marrom e São Paulo de branco, acima um corvo que lhes traz o alimento para o dia. No segundo plano, em ambos os lados, cenas dos mesmos personagens, à esquerda o enterro de São Paulo, com a ajuda de um leão. À direita o momento em que o santo é encontrado morto em posição de oração.

Obra do costumbrismo sevilhano, onde o artista retrata 3 homens de diferentes gerações, alegremente compartilhando a mesa. Na penumbra um criado serve vinho para continuar a noite.

Cena costumbrista onde o autor deseja destacar o caráter sórdido da situação: ambientada em Sevilha, o homem mais jovem, com gesto zombeteiro, segura um copo de vinho, indicando que os três músicos já beberam. Os outros dois personagens à direita seguram seus instrumentos sem firmeza e tocam uma música aparentemente sem ritmo.

A conservação da obra é excepcional, mantendo até hoje as cores, formas e iluminação quase inalteradas.

É o único nu feminino conhecido de Velázquez, pintado para uso privado, evitando qualquer problema moral associado a esse tipo de obra.

A mitologia grega conta que Vênus é a deusa da beleza, e a imagem reflete o conceito de máxima beleza corporal feminina do pintor. Em uma postura graciosa, deitada sobre lençóis e de costas, Vênus olha para o espectador através de um espelho segurado por seu filho Cupido.

Esta é uma das primeiras obras formais do artista. Considerada do gênero bodegón, destaca-se pela grande quantidade de materiais e texturas incluídas: óleo fervente, almofariz de bronze, tecidos, vegetais, manchas, madeira, metais, cerâmica e vime. Provavelmente colocados lá devido à ânsia do artista em mostrar seu talento.